Christophe Alzetto, artiste plasticien

(Prises de vue : Clément Durand. Un grand, très grand merci à lui ainsi qu'à Christophe Vardemme
pour la construction du nouvel atelier. Merci également à Alexis Dagois pour la partie électrique)

Visages 10-2010, étapes de l'été 2010

Il m'aura fallu six mois pour terminer cette toile, et deux autres mois pour en être certain. Sa constitution aura été sédimentaire entre toutes, lente expression d'une lente déconstruction. Cette toile est autant l'accompagnement du délitement que le deuil qui lui correspond.

Ce paradoxe de faire pour signifier le défaire n'est pas sans me rappeler, de loin, la fameuse phrase de Picasso : "Tout acte de création est d'abord un acte de destruction". Coulure et effilochage, dislocation et dissolution, enfouissement, perte dans la masse, ces expressions de l'évanouissement de la figure dans l'espace ou la matière restent typiques de mes thèmes picturaux; pourtant j'ai voulu que cela prenne ici une dimension plus tragique, de l'ordre de l'inexorable de certaines déliquescences.

Plus que pour d'autres toiles encore, à cause de la densité fourmillante des matières et des réseaux, il est difficile de s'en faire une idée d'après photo seulement.

La notion de "dislocation" n'est pas en l'occurrence sans m'interpeller. Disloquer, c'est littéralement "chasser de sa place". Se disloquer, c'est "perdre son lieu". C'est un peu, à plusieurs degrés, "fuir". C'est en la circonstance un évidement, puisqu' un objet se défait dans son espace, le rendant vacant puis vain, sans légitimité, y laissant toutefois la douleur de son pourrissement, volume-éponge gorgé de son vide grandissant. C'est ainsi que ce qui m'a le plus retenu d'achever cette toile est le doute concernant son pourtour, c'est -à-dire le passage où se joue la légitimité d'un espace se prétendant lieu, mais aussi la frontière par laquelle il garde ou perd contenance.

Ce visage est un lieu qui perd la raison, un être qui n'a petit à petit plus lieu d'être, qui se "déduit" dans l'espace et le temps. L'instantanéité spatiale propre au pictural nous en permet en effet une exploration à la fois temporelle et atemporelle, commutant l'étiolement en recomposition dans un diachronisme qui rend possible une concomitance de l'apparaître et du disparaitre, fixant et étirant tout à la fois la fin du sujet dans l'infini.

Voyageuse endormie, train pour Cannes, 9 août 2010. Lydia lisant, train pour Chamberry, 13 août 2010.
Extrait de carnet de croquis.

Réminiscence, juillet 2008. Les toiles 06, 07 et 08-2008 à leur première étape de réalisation, qui a été faite simultanément. Initiés de façon similaire, les protocoles ont ensuite beaucoup divergé pour chacune des toiles. Une époque de jouissance créative, pleine de trouvailles sur mes thèmes de prédilection...

On me demande souvent quelle est 'ma' technique : même si elle se rejoue sur des bases familières, ce n'est jamais la même. Je veille à ne jamais systématiser le 'process', parce que je crois que si Art il y a, c'est dans la recherche et la prise de risque. J'ai souvent soutenu ce propos (voir ce post par exemple) : pour moi, la systématisation des processus de création, lorsqu'elle n'a d'autre objet que l'augmentation de la production, est autre chose que de l'Art : c'est de l'artisanat. Une belle chose. Mais ce n'est plus de l'Art, pas à notre époque en tout cas. L'art actuel, post-contemporain si cela a un sens, a raffermi l'exigence technicienne qu'avaient progressivement détendu les expérimentations transgressives du XXe siècle dans lesquels primait souvent le concept. Ce retour à la technique est heureux, il a tout son sens aujourd'hui. Mais je me méfie de l'art uniquement fondé sur un 'process' : cette approche conserve de l'art contemporain ce qu'il a de moins noble, en ce qu'il sacralise facilement tout artiste qui se singularise par un protocole qui fait sa 'griffe', suffisant à pérenniser une production qui a tôt fait de devenir une industrie, ce que l'on masque trop souvent par  le jeu de quelques pirouettes rhétoriques opportunistes et trop facilement absorbées. Le copyright du 'process' justifiant le statut de l'artiste est une recette économique, mais l'Art n'y est pas forcément.

Si l'on sait exactement ce qu'on va faire, à quoi bon le faire ?
— Pablo Picasso

Portrait de Marion, pointe du Men Meur. Le Guilvinec,
Bretagne. Début Août 2008. Extrait de carnet de croquis.

Chambre-atelier disparue. Quincy-Voisins.
Mai 2008. Extrait de carnet de croquis.

Visages11-2010, détails de la toile en voie d'achèvement.